Una de las obras de Marcos Castillo (Marcastillo), que por supuesto no lleva su merecido nombre, en pro de la cultura en Valencia llega a sus 40 años

Como ya uno es de la tercera edad y

vió construir, inaugurar, iniciar

muchas cosas, y el

desagradecimiento de una ciudad

(caso Luis Eduardo Chávez,

Flor Gornés y Gallegos)

con quienes de verdad hacen las

cosas, luchan por ellas y las

mantienen hasta que aparecen

de repente "santos nuevos",

y son los que hacen "indulgencias".

Para mi "enfermedad del alma"

parece que todo se hizo a partir

de los años 50, y se cobra en los 90.

De corazón felicito a Lunes Rodríguez

y su equipo con quienes tuve el gran

placer de trabajar en el 2004 sobre un libro

que nunca fue editado, sobre las

Artes del Fuego en la región

carabobeña y

la Historia del Salón Nacional de

dichas especialidades considerado asi

hasta 1995, cuando la burocracia

de la Universidad de Carabobo, lo

que llaman "una mano peluda",

entregó al CONAC presidido

por Oscar Sambrano Urdaneta,

en bandeja de plata,

la cualidad de nacional que dicho salón

ostentaba desde su fundación en 1971

por Oswaldo Vigas quien como Director

de Artes Plásticas del INCIBA, durante

la Presdencia fundacional

de Alfredo Tarre Murzi (Sanín),

hace efectivo

el proyecto presentado por los artistas

Humberto Jaimes Sánchez, Director

de la Escuela

de Artes Plásticas "Arturo Michelena"

de Valencia y Marcos Castillo (Marcastillo

para no confundirlo con el otro artista

plástico también), escultor, profesor de

dicha institución carabobeña.

Gracias también doy al Arq. Alberto

Asprino por la ayuda que me prestó

ese año tan feliz de mi vida,

honrando la "amistad" que "iniciamos"

durante un almuerzo en casa de mi

compañero de estudios y de promoción

de la Escuela de Letras

en la UCAB, 1973: Boris Ramírez

Dalla, Premio "Arturo Michelena"

1982, amigo a quien nunca dejaré

de llorar su partida, a la amiga,

también fallecida Rosa Falena,

quien ante la ausencia de textos

sobre la Historia del esmalte sobre

metal en Venezuela (ya que los

referenciales eran las columnas

de Nelly Barbieri en la prensa

nacoional y su libro, y "La

Tierra Doctorada" de Rafael Pineda),

me prestó una

tesis de grado de su socio, igual Lamis

Feldman, un trabajo suyo gracias a su

amistad con Aldo Ramos y

por la misma razón, Alexis

de La Sierra, mi maestro orfebre,

me permitió una entrevista e

Ion Pervilhac acceder

a la historia de su Escuela de Orfe-

brería.

El despojo que mencioné consta

en carta original y copia que

no se si es conservada aún en el

"archivo muerto" de la galería

universitaria,

yo la entregué después de

encontrarla en el archivo "muerto"

de la galería, al consignar el

trabajo hecho durante ese año 2004

pues yo era personal de FUNDAPATRIA

en comisión de servicio en la Galería,

y el asunto era muy delicado y sólo del

interés de los universitarios,

no de mi incumbencia,

ni la quiero ¡San Benito

me proteja!

La verdad es que ese hecho

dejó a los premios nacionales

de las artes del fuego

obtenidos desde 1971, (que comenzó

con su adjudicación a la querida Colette

Delozanne), sin su derecho al "Premio a

la creatividad" asignado en ese año 1995,

a TODOS los ganadores de Premios

Nacionales fuera cual fuera su especialidad,

especie de merecida "jubilación y pensión"

que otorga el Estado

a quienes han puesto tan en alto el

gentilicio venezolano a través de las

diferentes ramas del saber y del arte.

Al Salón Universitario le salió otro

paralelo desde 1998, que hasta ahora

ha sido otorgado sólo al difunto

Cándido Millán y a la ceramista

valenciana Noemí Márquez.

O sea que los artistas PREMIOS

Nacionales de las Artes del Fuego,

perdieron como el Esaú

bíblico la bendición de Isaac gracias

a manejos de Rebeca, su madre.

(Gén.27,1 y ss) Sin culpa de ellos,

perdieron GRANDES ARTISTAS

sus derechos adquiridos tras años

de verdadero y constante trabajo .

Ahora el salón es

nominado "Universidad de Carabobo",

con todo el mérito que eso implica,

por supuesto,

pues ninguna universidad ha sido tan

constante y fiel en el otorgamiento de

un premio, lástima que un@ "Rebec@

pensó por ell@"y a "la chita callando"...

puso a Jacob en vez de a Esaú...para

que fuera bendecido por su padre Isaac

ciego y anciano.

El nuevo Premio Nacional

tomó los ribetes populistas del Ministerio

del Poder Popular para la Cultura???

Premio Nacionales de las

Artes del Fuego nace

con el apoyo de la UC, de la Escuela

de Artes Plásticas "Arturo Michelena",

de Frida Añez, y por ende

de Cerámicas Carabobo,

como sustituto de

la sección dedicada a las artes aplicadas

que se otorgaba en el Salón Arturo

Michelena del Ateneo de Valencia,

a su vez remanente del desaparecido

en 1969 Salón Oficial creado por Miguel

Arroyo en el Museo de Bellas Artes

con apoyo del Ministerio de Educación

Nacional,

que premió a figuras maravillosas de la

cerámica internacional llegadas a nuestro

país después de la II Guerra Mundial

y nacionales.

Esa sección se iba minimizando

cada vez más

por falta de espacio en el Ateneo

valenciano, por lo que Humberto

Jaimes Sánchez, Director de la

Escuela de "Artes Plásticas Arturo

Michelena" acudió a Oswaldo Vigas

Director de Artes Plásticas del INCIBA

cuyo Presidente Alfredo Tarre Murzi

(SANIN) dio el visto bueno

para dar inicio al proyecto que ya

mencioné.

Nace asi el I Salón Nacional de Artes

del Fuego, paralelo al del Ateneo

de Valencia y en la misma sede pero

con fechas distintas,

Con Medalla de oro, Diploma y entrega

por el Presidente de la República como

los de las otras especialidades.

Como el eje central de los 40 años de

la galería Universitaria carabobeña ha

sido el salón, considero oportuno iniciar

esta entrada con entrevista a Colette

Delozanne, primera artista en obtenerlo

y finalizar con Laura Palazzi, pues una

exposición suya será la actividad central

de la celebración cumpleañera de la

galería

Año 1971

COLETTE DELOZANNE
(1931, París, Francia)

Habito un lugar indeciso (Homenaje a Trudi Eberstadt)
Arcilla de alta temperatura
60 x 45 x 38 cm.
1973

Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego
I Salón Nacional de las Artes del Fuego (1971)
Colección Universidad de Carabobo

Tomado del blog

"Cien entrevistas"

de Inés Muñoz.

miércoles 24 de

junio de 2009

Colette Delozanne

TAN GRANDE COMO SU OBRA

Por: Inés Muñoz Aguirre

Como para hacer contraste con sus grandes obras, Colette Delozanne es pequeña, menuda, se podría decir que da la impresión de estar rozando lo frágil, pero obviamente su físico es solo el cofre en que guarda toda su fortaleza espiritual, un empuje que la mantiene completamente activa, a pesar de los años acumulados. Una energía que se pone en movimiento tan pronto amanece y que le permite hora tras hora de trabajo hacer realidad sus sueños.

- ¿Cómo se siente hoy en día después de una lucha dura, en el que su trabajo constante a aportado grandes obras a nuestro país?

- Hoy en día me siento menos sola porque Maribel Proietti me ha ayudado mucho. Mis obras han pasado por distintas situaciones, la obra del Teresa Carreño la rompieron porque son tres obras de 3 metros y pico de alto, hicieron un trabajo de impermeabilización y en lugar de llamarme, arrastraron las obras, las tiraron por ahí y yo estuve como 9 años luchando, hablando con este, con el otro y al fin como nosotros empezamos a trabajar con la obra del Parque del Oeste se consiguió un contacto allá, con un muchacho que es arquitecto, y tardamos un año con el papeleo, pero finalmente se logró la restauración.

- Tal como usted menciona Maribel la ha estimulado y la acompaña en ese proceso de restaurar todas las grandes obras que se encuentran en sitios públicos, además de estar involucrada en este proceso de restauración de sus obras, continua con el proceso creativo en la actualidad?

- Si, yo sigo trabajando. Se hizo la exposición en La Estancia, y a través de estos procesos quiero organizar mi trabajo. Deseo hacerlo a través de una fundación y con ello hacer una retrospectiva. La iba a hacer en la GAN pero no se pudo, porque botaron a todos los directores y ahora los volvieron a enganchar. Vamos a ver, porque después me dijeron que no iban a hacer mas individuales, que lo que se iba a hacer aquí en los museos son colectivas. En fin, estoy en esta lucha.

- ¿El proceso de restaurar sus obras tiene que ver solo con lo público?.

- Yo, quiero acomodar por ejemplo, todas esas obras que están en mi jardín, con la humedad se desarrollan hongos y eso hay que recuperarlo; yo quiero atender todo eso, por si se logra lo de la bendita retrospectiva. Son muchas obras, las que están en La Estancia ya están bien, pero yo sigo trabajando porque siempre tengo esa inquietud. Tengo varios grupos de obras como torres. Ahora estoy interesada en ir reformulando planteamientos de los años 70, seguir haciendo grandes obras, como unos templos naturales con muchos vacíos. Yo trabajo mucho con el vacío y la interioridad, estoy en eso, trabajando siempre. Estoy haciendo obras de pequeño formato, para los regalos corporativos, porque también no es fácil vender una obra grande. Son muchos aspectos. Tengo que mantener la dinámica, bueno, con mi asistente porque yo no puedo trabajar sola. Yo soy una persona que necesita ayuda.

- ¿Cómo es el proceso técnico de realización de la obra?

- Yo modelo la obra cuando la obra cuando está como en consistencia de cuero, que es dura pero totalmente seca, se va cortando en pedazos que caben en los hornos míos y los voy metiendo allí para ir quemando. Hay días que quemo unos pedazos, otro día otros. Hay obras donde yo he tardado cuatro años, hasta que después la empiezo a ensamblar con Epoxi que es un plástico durísimo. Menos mal que apareció ese material en los años 80, después voy eliminando los ensamblajes con un esmeril y después comienzo a patinar. Ese es de verdad un trabajo grande.

- ¿Y antes de existir ese material que le ayuda hoy en día, cómo unía las piezas?

- Cuando no existía el Epoxy mi trabajo lo hacia por ensamblaje, con unos huecos y unos pernos, obras de 2 metros y pico. Nadie había hecho eso y mi obra generaba mucha polémica. Cuando me fui para Estados Unidos a un simposio me encontré conque habían muchos artistas de Europa, yo hablaba con toda esa gente que estaba allá. Les conté que aquí tenía problemas porque había gente que decía que no era ni ceramista, ni escultora. Yo trabajo con arcilla pero no utilizo la técnica de la cerámica, la trabajo con un oxido que al quemar se va poniendo rojizo, después pinto con acrílico y la cerámica es con esmalte. Si voy a hacer una obra como la del Teresa Carreño con la técnica de la escultura debo alquilar un taller, trabajar con obreros, preparar unos andamios, soldar, etc. Mientras que esto que yo hago en mi taller es mucho más manejable. Con la resina no trabajo, no me satisface porque eso es muy toxico. Hay una obra en resina en el Museo de Maracay, donde estábamos haciendo la obra no quedó ni grama; pues cuando comenté mi inquietud, todos me dijeron que debía seguir adelante, porque lo que yo hacía era novedoso.

EL PROCESO CREATIVO

Uno de los aspectos más interesantes en cualquier artista, es el proceso creativo, de dónde surgen las ideas, cuales son los motivos de inspiración, para Colette, sigue siendo un misterio que la acompaña, desde el mismo momento en que hizo conexión con el arte.

- ¿Surgen de lo inexplicable?

- Surgen como un vaivén, un ir y venir.

- ¿Cómo es el proceso inicial?

- Es como una visión interna, de lo que uno quiere hacer. Es extraño, de verdad…

- ¿Qué hace después de tener esa visión, la dibuja?

- Si, la dibujo si, pero siempre son cosas someras que vas dibujando, porque son cosas que se te ocurren, que además, no es que se te ocurren gratuitamente, vienen de un proceso interno de tantos años. Esas son imágenes internas, es algo misterioso, que se le forman a uno de todo lo que uno vio. Uno se entusiasma por cierta forma. Yo nací en Francia y siempre me gustaron los espacios religiosos, las iglesias, las cosas de los celtas que son los menhires, los dólmenes, todo eso. Será que uno es muy fantasioso, que uno es muy loco ¿No? A mi siempre me apasionó todo eso. Después vine para acá, imagínate, eso fue un shock, una cosa tan diferente. Yo viaje por toda Latinoamérica, leí mucho. Total que es como un mestizaje de todas esas culturas. Yo pienso que en el fondo, lo más importante que hay allí, es lo sagrado, la interioridad, la textura de la naturaleza, porque si yo me crié en un contexto industrial, imagínate mi percepción al llegar aquí en los años 50. Eso desencadenó en mi un tipo de reacciones.

- ¿Tan pronto llegó aquí comenzó a trabajar?

- No. Yo no empecé a trabajar en la escultura cuando llegué aquí. No, yo comencé a trabajar haciendo traducciones para ganar dinero y ayudar a mi marido a comprar un terreno, para hacer una casa donde tener a las niñas. Después en el año 66 ó 67 es cuando comienzo a trabajar, pero ya eso venía acumulándose, por supuesto, ya yo todo lo dibujaba, pero lo que me gustaba era modelar. Yo no tallo, modelo. Y me gusta trabajar con el tema de los interiores porque siempre hay un misterio, tu ves los espacios adentro, libres.

GENERACION TRAS GENERACION

Hay quienes expresan popularmente que “lo que no se hurta se hereda”, con lo cual se refuerza el principio de que no sólo el entorno contribuye a desarrollar los intereses y valores de un individuo, sino que hay lo que se transmite de generación en generación.

- ¿En su familia había otros artistas?

- Europa tuvo una historia demasiado trágica. Mi abuelo nació en 1870 en la guerra que hubo con Prusia, para ese entonces Alemania era Prusia, creció allí, y empezó a estudiar dibujo y escultura, era un excelente dibujante. Trabajó mucho con los dibujos para el teatro, pero entonces se le murió el papá y después vino la guerra del 14 al 18, total que no pudo continuar con su inquietud. Mi prima pinta, muchos en mi familia tienen facilidad para dibujar, pero realmente la que más trabajó fui yo, la que pudo hacerlo pues. Porque hay mucha gente que tiene facilidad pero la misma sociedad y las mismas obligaciones de la vida, no lo dejan.

- ¿Es decir que en su caso se encuentra satisfecha? - Yo nací en 1931 y no pude estudiar lo que hubiera querido estudiar. Yo tenía mucha pasión por los idiomas antiguos, estudié idioma, estudié historia del arte, estudié cosas relacionadas con turismo, uno tenía que trabajar porque había mucha miseria. Me fui a Inglaterra para perfeccionar el inglés, regresé a Francia y después me fui para España para aprender el español, allá es donde conocí a mi esposo, un venezolano. Mi esposo es siquiatra y así es como llego aquí. En esa época Pérez Jiménez había cerrado la universidad y había muchos venezolanos en Madrid. Llegué acá en 1955 y en el 58 me casé. Después tuve mis hijas y seguí trabajando. - Con ello se entiende que vivió un largo proceso formativo y de distintos intereses, hasta encontrarse finalmente con su obra… - Ha sido un proceso un poco accidentado, pero yo me entregué a esto. Yo iba mucho a las exposiciones porque teníamos muchos amigos pintores, me encantaba lo que hacía Tecla Tofano, lo que hacía Elsa Gramcko. Después me hice amiga de ella, me metí en el Taller Libre que quedaba en la Andrés Bello, era una cosa sui generis. Entonces me cansé de eso porque querían hacer torno. Entonces, allí me conseguí una amiga que era la esposa de Amable Espina, era una señora tranquila y nos fuimos a Altamira a la casa de Gustavo Lafee, quien me enseñó a construir. El me decía: no vayas para la Escuela de Artes Plásticas, haz tu taller. Empecé a trabajar seriamente y me empecé a conseguir con los artistas. Nos encontramos un día con Oswaldo Vigas, porque mi esposo era amigo de toda esa gente de la República del Este, el me dijo que tenía que mandar mi obra a esos salones que hacían en Valencia; y yo siempre con mi mal carácter le decía, yo no voy a mandar nada, porque allá me rompieron una pieza. En una visita a la casa me dice ¿Y esto? Le pareció tan interesante que me dijo que tenía que mandar eso al Salón de Artes del Fuego. Me convenció y así fue como gané el Premio Nacional de Artes del Fuego, eso fue en el 71. En esa época había muchos salones en Valencia, entonces, mandé las obras. Había un dibujante muy bueno que se llamaba Ras, que escribía, y entonces, empezaron a hablar de mí en los periódicos porque lo que hacía era diferente. Ya yo había hecho una exposición en la Galería del BANAP en Sábana Grande. En sabana Grande se movían todos los amigos míos Aquiles Nazoa, Adriano, ellos gozaban un puyero de ver lo que yo hacía. Total que en el año 70 ellos me entusiasmaron y allí hice una exposición y tuve mucho éxito. La presentación la hizo Aquiles. Allí fue con se fijó Vigas. También vino a mi casa Víctor Varela. Después vino Clara Sujo, nunca hubo una galerista como ella, su galería se llamaba Estudio Actual en el Centro Comercial Chacaito, allí exponía Soto . Me organizó una exposición ahí y entonces despegué. Después me alejé porque ella me quería imponer su parecer y sentí que así no podíamos trabajar. Llamé a Narváez y le conté, entonces por recomendación de él hice contacto con una galería por la Libertador que era pura escultura, allí me fue de lo mejor. -¿ Y para no perdernos de la influencia familiar, nos podría hablar de cómo ha sido esta en sus hijas? - Mis hijas cuando estaban chiquitas iban para el taller y hacían cosas, pero después mi hija mayor estudió biología y después hizo cine. Ahora vive en Francia y allá hace música para niños, tiene un disco bellísimo que lo quiere comercializar aquí en español, tiene mucha facilidad para dibujar por eso es un disco muy especial porque lo hizo todo ella y la otra hija tiene un grupo musical en Francia y es especialista en música barroca, trabaja con la Sorbona, donde dirige la Camerata Barroca de la Sorbona. Son artistas las dos. - Se vuelve al tema de lo que se hereda y del entorno… - Puede ser, siempre me vieron a mi trabajando y en la casa con toda esa gente que ya no está, siempre rodeadas de artistas. Allá iba Antonia Palacios, Juan Liscano, Elizabeth Schon, todos, Oswaldo Vigas, Aquiles, ¿Sabes lo que es compartir con ese tipo de gente? Eso es un verdadero privilegio y todo el tiempo vieron el arte. Yo era muy amiga de Diego Barboza. El llegaba a la casa y hablaban, cuando se iba agarraba una escultura y se la ponía bajo el brazo y yo le decía – bueno viejo y entonces – y el me contestaba - bueno chica, hacemos el cambalache-. Tengo dos obras de él. Ellas vieron todo eso y se criaron con esa suerte NOTA: A Diego Barboza debe nuestro "pintor de la bohemia valenciana" Cristóbal Ruiz, sus más hermosos recuerdos de amistad y su viaje a Londres. martes 2 de septiembre de 2008 EPANOUISSEMENT: La eterna eclosión en Colette Delozanne Epanouissment...esta palabra arcaica, vértice originario del verbo, nos da la visión de una eclosión, de una floración múltiple. Fuerza abstracta y fuerza conformante, materia pura y materia visible , energía y forma. Este doble paso capaz de unir el verbo con la forma, la voluntad con la materia creada y regida por un orden, tiene a su vez un triple supuesto, una hipóstasis de creación. Colette Delozanne, quien además de escultora es poeta, lo sabe; por eso escogió la palabra Epanouissement para representar la unión de su voluntad trascendente con la obra creada a través del espíritu o alma del mundo. El primer acto de creación, es decir el acto creador del mundo, tuvo su hito en la unión hipostática del verbo con la naturaleza humana. Pero aquí, la voluntad poética, la voluntad creedora se revela a través de las manos; son las manos las que provocan la salida del caos, son las manos las portadoras, "las voceras" de un espíritu cuyo aliento constituirá esa flor sagrada y mayestática de barro, con la unión de las cuatro elementos agua, tierra, fuego y aire. Flor de especie original, flor única, rosa de siete pétalos que simbolizan la secuencia de la creación, el orden sagrado de sus jerarquías desde el mismo momento de la floración o eclosión primaria, hasta llegar al "hondo temblor de lo secreto". La tierra es el cuerpo de la creación, es la materia, la madre, pero, ¿ hacia dónde apunta esa floración reconcentrada en sí misma, esa palpitación de piedra que surge y se mantiene en medio del caos, como los pilares sagrados que sirvieron para sostener los primeros árboles ?. Aunque el acto de creación es extratemporal, la existencia de los mundos se despliega en el tiempo desde el primer gesto hasta llegar a lo más cerca del inicio, y así fundirse en el punto de fuga que elimina la distinción entre lo manifiesto y su origen. Eso la sabe también nuestra escultora poeta. Ella sabe del viaje y del "fervor caminante" que nos impulsa al encuentro de esa revelación, de esa verdad. En medio de la "múltiple sonoridad" que acompaña nuestra existencia temporal, en medio de la luz, ella nos anuncia la necesidad de velar, de estar en " vigilia", de no perdernos la extraordinaria y única visión que comporta la conciencia de que las infinitas formas del mundo están entrando y saliendo permanentemente de la existencia. ¿ De dónde salen y hacia dónde entran ? . He ahí el secreto, el misterio de ese incesante e ilimitadamente abarcador espacio que nos contiene. ENTREVISTA Colette Delozanne, artista plástica "La textura de las esculturas recuerda una época dolorosa" "En mis obras siempre hay aire. Son una comunicación constante. Nunca hay nada cerrado". Esculturas en distintos tamaños más obras en papel se muestran en el Centro Cultural BOD- Corp Banca (Oswer Díaz) DUBRASKA FALCÓN | EL UNIVERSAL lunes 13 de diciembre de 2010 La memoria de Colette Delozanne (Francia, 1931) no olvida ni a los minúsculos detalles. Fechas, nombres de esculturas, las formas en que iba quedando París mientras era bombardeada por los alemanes, los instrumentos que le cambiaron el sentido a sus esculturas, el recuerdo de cada uno de su hornos para calentar la arcilla. Todo, a Delozanne no se le olvida absolutamente nada. Y menos cuando ve su más de 50 años de trabajo en la exposición Tiempos de Devoción, que se muestra desde el domingo pasado en las dos salas del Centro Cultural BOD-Corp Banca. La exhibición es sin duda apabullante. Esculturas que se transforman en tótem, templos, seres mitológicos y torres. Obras que se miden desde centímetros hasta metros. Piezas tridimensionales repletas de color, además de obras en papel que por primera vez Colette Delozanne se atreve a mostrar. "Aquí hay piezas de los años 60 y 70, desde que comencé a trabajar. Hay unas obras tempranas y unos recuerdos de todo lo que ha significado el proceso creativo. Siempre he tenido unos cuadernos en los que escribo cuando comienzo las obras. Habló sobre los proyectos, lo que estoy pasando por ese momento. En ellos hay todo un conjunto de experiencias muy sabrosas. Todo el proceso de cuando comencé a trabajar con el barro La aspiración que tenía de hacer esculturas cuando llegué a este país", dice Colette Delozanne. Así que en las paredes cuelgan en gigantografías las reproducciones de los diseños que guardaba en sus cuadernos desde 1972. Una verdadera joya. Alrededor de cada dibujo se esconden pensamientos de la artista, medidas para agrandar cada obra y además poemas. sin contar, que por primera vez mostrarán dibujos que ha realizado la artista. Tiempos de Devoción, los recuerdos de Colette Delozanne se mueven por doquier dentro de las dos salas. Ahí se muestran obras que ella creó para su esposo como Aire donde penetramos juntos. Piezas que Narváez seleccionó para que la artista se presentará como escultural en la Galería Arte Contacto. Ahí, donde no la aceptaban como escultura, sino que la trataron como ceramista. Además, de que en el Centro Cultural BOD- Corp Banca se muestra la primera escultura que realizó en gran formato, que contaba con más de un metro de altura. Se trata de Sube conmigo amor Americano. Sí como el poema de Pablo Neruda. Así como obras recientes, que a simple vista tienen similitudes a con un panal de abejas. Obras que dejan constancia de que Delozanne no ha dejado de trabajar. "En mis obras siempre hay aire. Son una comunicación constante. Nunca hay nada cerrado. Hay pura comunicación y unos elementos que siempre utilizo que son altares, puentes. Elementos que van hacia arriba. Tengo un lenguaje que se utiliza en diferentes formas y diferentes maneras", afirma Colette Delozanne, mientras recorre con sus manos las piezas. Eso lo hace a cada instante. Las palpas, las sientes, las contempla con las manos y los ojos. Siente esa textura, que a veces se confunden con arañazos, que hace poco fue que descifró su significado. "Cuando nos tuvimos que mudar de París, en los años 40, nos escondíamos en una gruta. Ahí nos refugiábamos cada vez que los alemanes bombardeaban. La textura de la gruta ha estado presente en mis obras. Esos arañazos de la gruta han representado una textura dramática en mis esculturas. Además, de recordarme a la forma de las rocas cuando llegué a Venezuela. Todo eso recuerda las épocas dolorosas de mi adolescencia", dice mirando hacia el infinito Delozanne.

NOTA: Primer round que

tiene que

pelear Marcastillo y la UC...

Rafael Pineda y Angel

Ramos Giugni

quieren llevarse el salón

nacional para

Guayana o para Caracas.

Gana Marcastillo que aunque

pequeño

y aparentemente "frágil"

es un peso

"pesado" para defender a

la UC y a los

derechos de la ciudad y

los artistas...

Se reinicia nuevamente el

salón en 1974

ya asumido por el

CONAC para mantener

el carácter de

Premio Nacional, pero

todo corre por

cuenta de la Universidad de

Carabobo y

Frida Añez y Janos Magasrevy

de Cerámicas

Carabobo, y donaciones

privadas o de

empresas productoras de

materiales

para estas especialidades.

Año 1974
	ANABELLA SCHAFER (1942, Caracas / 2001, Estados Unidos) Sin título Cerámica, esmaltes 19,5 x 27 cm. Ø 1984 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego II Salón Nacional de las Artes del Fuego (1974) Colección Universidad de Carabobo

Premio compartido con:

Año 1974
	JOSEFINA ÁLVAREZ (1940, Caracas) Sin título. De la serie Reverón Cilindro, textura vibrada, esmaltes, cobre, rútilo, óxido de rútilo y titanio 25 x 25 cm. Ø 2001 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego II Salón Nacional de las Artes del Fuego (1974) Colección Universidad de Carabobo

Año 1975
	JORGE BARRETO (1942, Maracaibo, Edo. Zulia) Sin Título Gres 1200 ºC, esmalte feldespático, oxido de hierro y rutilo 3 x 27 x 37 cm. 2003 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego III Salón Nacional de las Artes del Fuego (1975) Colección Universidad de Carabobo

Año 1976
	MARÍA TERESA TORRAS (1927, Islas Baleares, España) Collar Plata 925, ensamblaje 19 x 12 x 2 cm. 1976 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego IV Salón Nacional de las Artes del Fuego (1976) Colección privada

Año 1977
	GISELA TELLO (1948, Caracas) Sin título Arcilla roja, torno, quema de oxidación a 1100 ºC 24 x 30 ø cm. 1977 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego V Salón Nacional de las Artes del Fuego (1977) Colección Privada

Año 1978
	MÉRIDA OCHOA (1944, Las Brujas, Edo. Yaracuy) La huella del hombre Materiales diversos Dimensiones variables 2003 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego VI Salón Nacional de las Artes del Fuego (1978) Colección Universidad de Carabobo

Año 1987 JOSÉ GABRIEL GONZÁLEZ (1954, Caracas) De la serie ceremoniales Moldeado a mano por placa en torneta, engobes, sgrafiados, quema de oxidación 40 x 40 cm. Ø 2003 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego XIV Salón Nacional de las Artes del Fuego (1987) Colección Universidad de Carabobo NOTA:Aqui se armó otra sampablera porque Roberto Guevara, crítico de arte, comienza junto a su "grupo" de una manera que desdecía del crítico de arte que yo conocí muy joven, pues hasta con ofensas quería minimizar el trabajo hecho por personas que colaboraban con el salón, imponer sus "protegidos" y establecer su Exposición "Barro de América"... como lo más importante. Surgen divergencias con el Salón Nacional y sus lineamientos. Marcastillo defiende, como siempre, con las uñas, el Premio de la UC y de Valencia, porque como no ha sucedido con otros, Marcos nunca"se vendió a nadie" y menos a Caracas y sus "logias" o "modas". Además ya no se hizo necesario tener una trayectoria como artista ni investigaciones de las tierras y esmaltes, tipo Mérida Ochoa a quien el trabajo "sin protección" con elementos altamente peligrosos le alteró su salud, O Belén Parada que de cargar los sacos de tierras para preparar sus pastas, sufre de la columna. Año 1988 ROSALÍA SOLANES (1948, Blois, Francia) Sin título Cerámica modelada a mano en tiras, esmalte de óxidos metálicos, quema de oxidación 1250 ºC 45 x 27 x 11 cm. 1988 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego XV Salón Nacional de las Artes del Fuego (1988) Colección Universidad de Carabobo Año 1989 KELMIS FERNÁNDEZ (1954, Caracas) Wisidatu (Shamán) Vidrio soplado y sólido, ensamblado, pulido al ácido, sandblasting 80 x 16,5 x 16,5 cm. 1997 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego XVI Salón Nacional de las Artes del Fuego (1989) Colección Universidad de Carabobo NOTA: Se armó otra sampablera porque supuestamente Fernández era protegido del filósofo y galerista Ernesto Mayz Vallenilla, y no trabajaba en Venezuela... Otra vez Marcastillo al ring de boxeo... Año 1990 WOLFGANG VEGAS (1958, Caracas) Final de una existencia Barbotina vaciada en molde transformable, modelado, óxidos, esmaltes, engobes, lustre 8 x 15,5 x 15,5 cm. 2000 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego XVII Salón Nacional de las Artes del Fuego (1990) Colección Universidad de Carabobo NOTA: Nuevo round. Ahora es el lío entre cerámica utilitaria y "artística", la primera representada por los eternos premios nacionales al estilo del Nobel de Jorge Luis Borges: Rodrigo García Alejo y Gloria Fernández. EXCELENTES CERAMISTAS... PERO... Año 1991 RENATE POZO (1944, Alemania Federal) Cosmogonía Cerámica modelada y ensamblada, engobes, óxidos y vidrio 167 x 34 x 33 cm. 1991 Artista ganador Premio Nacional de las Artes del Fuego XVIII Salón Nacional de las Artes del Fuego (1991) Colección Universidad de Carabobo Año 1993 AUGUSTO LANGE (1932, Caracas) Mestizaje Torno, ensamblaje, madera, hierro, quema de oxidación 1255 ºC 152 x 90 x 35 cm. 1992 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XIX Salón Nacional de las Artes del Fuego (1992) Colección Universidad de Carabobo Año 1993 OMAR ANZOLA (1951, Barquisimeto, Edo. Lara) Las tres hermanas Rakú oxidado Dimensiones variables (3 piezas) 1993 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XX Salón Nacional de las Artes del Fuego (1993) Colección Universidad de Carabobo NOTA: Creo que se jubila Marcastillo y entra Oswaldo "Mimijo" Ortega a una época muy dura del salón. Año 1994 VÍCTOR RODRÍGUEZ (1943, Caracas) Lo que hice y dónde lo hice. Conjunto: collar laudan y el taller de Vulcano Bronce, cobre, plata y aluminio, joyas, tallado directo sobre el metal y madera 30 x 12 x 7 cm. 1994 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXI Salón Nacional de las Artes del Fuego (1994) Colección Universidad de Carabobo Año 1995 ALICIA KELEMEN (1960, Caracas) Ikebana I - II – III Vidrio termoformado y sandblasting Dimensiones variables (3 piezas) (10 partes) 1995 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXII Salón Nacional de las Artes del Fuego (1995) Colección Universidad de Carabobo Entre eufemimos pierden la titularidad de Premio Nacional entregada en bandeja de plata al CONAC. Aunque sigue llamándose "Nacional" ya la gente de la AVAF se da cuenta que no defendieron sus derechos por ser el Salón en Valencia, y se quedaron "sin el chivo y sin el mecate". El ambiente se enrarece. Año 1996 LOURDES SILVA (1945, Caripe, Edo. Monagas) Collar II Mixta embutido, forjado kum bou, cera perdida, perlas barrocas, oro 14 y 24 k, repujado, cristal, ébano fósil, cuernos de búfalo, madera petrificada y camafeo de coral 46 x 18 cm. Ø 1996 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXIII Salón Nacional de las Artes del Fuego (1996) Colección Universidad de Carabobo

Año 1997
	MARY CARMEN PÉREZ (1948, Madrid, España) Plaza I Gres 200 x 200 x 5 cm. 1997 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXIV Salón Nacional de las Artes del Fuego (1997) Colección Universidad de Carabobo

Año 1998
	NATY VALLE (1951, Madrid, España) Disfraz cotidiano II Gres, modelado, tintas, óxidos, esmalte, quema y oxidación 196 x 114 x 114 cm. 1998 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXV Salón Nacional de las Artes del Fuego (1998) Colección Universidad de Carabobo

Año 1999
	MARÍA TERESA TROMBETTA (1952, Caracas) Perdónalos señor porque si saben lo que hicieron Vidrio 84 x 38 x 36 cm. 1999 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXVI Salón Nacional de las Artes del Fuego (1999) Colección Universidad de Carabobo Lo vuelve a ganar en el 2010

Se retira Cerámicas Carabobo como

patrocinante. La colaboración

que queda es de Frida Añez

Se minimiza la cerámica

utilitaria y se busca más

lo conceptual.

Año 2000
	DOMENICA AGLIALORO (1962, Caracas) Plateada divina delicia Porcelana, ensamblaje Dimensiones variables 2000 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXVII Salón Nacional de las Artes del Fuego (2000) Colección Universidad de Carabobo

Año 2001
	ELSA ESTÉ (1939, Maracaibo, Edo. Zulia) Lista de Bodas Arcilla compacta, placas, engobes y óxidos Dimensiones variables 2001 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXVIII Salón Nacional de las Artes del Fuego (2001) Colección Universidad de Carabobo

Año 2002
	RAMSÉS LARZÁBAL (1966, La Habana, Cuba) Me voy de casa, me llevo la pijama, mis juguetes. Hoy tengo la memoria ¿me voy de casa? Porcelana, hilos, pigmentos y acrílico 38 x 123 x 66 cm. 2002 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXIX Salón Nacional de las Artes del Fuego (2002) Colección Universidad de Carabobo

X

Año 2003
	ROGER SANGUINO (1968, Maracay, Edo. Aragua) Apuntes de Rancho Grande Fusing, vidrio float, limaduras metálicas y sandblasting 250 x 250 x 3 cm. 2003 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXX Salón Nacional de las Artes del Fuego (2003) Colección Universidad de Carabobo

Año 2004
	LAURA PALAZZI (1964, Puerto Ordaz, Edo. Bolívar) El equipaje está listo Papel cerámico de porcelana, materiales mixtos Dimensiones variables 2004 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXXI Salón Nacional de las Artes del Fuego (2004) Colección Universidad de Carabobo

Año 2005
	ANA MERCEDES CARVALLO (1969, Caracas) Trigal de maíz transgénico Cobre, plata, bronce, malla bañada en oro, malla en plata, madera 145 x 40 x 140 cm. Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXXII Salón Nacional de las Artes del Fuego (2005) Colección Universidad de Carabobo

Año 2006
	SAMANTHA FUNG (1974, Caracas) Deformaciones por conectividad Plata 900, imanes, mixta Dimensiones variables (50 piezas) Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego XXXIII Salón Nacional de las Artes del Fuego (2006) Colección Universidad de Carabobo

Año 2007
	CHRISTIAM GRAMCKO (Caracas, Distrito Capital, 1969) Se despide una perla (Homenaje a Elizabeth Schönn) Plata 925, grabado, ensamblaje, acrílico, grafito Dimensiones variables (5 piezas) 2007 Obra ganadora Premio Nacional de las Artes del Fuego 34 Salón Nacional de las Artes del Fuego (2007) Colección Universidad de Carabobo

Año 2008
	YOLANDA SUCRE (Caracas, 1967) A buen entendedor Plata 1000, 950 y 925, acero inoxidable, acrílico, porcelana, mixta Dimensiones variables (3 piezas) Premio 35 Salón Nacional de las Artes del Fuego

HISTORIA DE LA GALERIA

UNIVERSITARIA

"BRAULIO SALAZAR"

La Galería Universitaria Braulio Salazar de la Universidad de Carabobo, es una institución permanente, no lucrativa, al servicio de la sociedad y su desarrollo, abierta al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica y principalmente, exhibe los testimonios materiales del hombre, especialmente las artes visuales, con propósitos de estudio, educación y deleite para la comunidad universitaria y el público en general. Sus orígenes se remontan a la creación del Departamento de Expresión Plástica, dependiente de la Dirección de Cultura de la apenas reabierta Universidad de Carabobo en el año 1958. (NOTA: Bajo la responsabilidad de Marcastillo) Las labores de extensión a la comunidad exigían una sala de exposiciones, y para ese fin, se alquila el local F-2 en el Edificio Don Pelayo en la Avenida Díaz Moreno, entre calles Vargas y Rondón, en el centro de la ciudad, donde se instala la Sala de Exposición de la Dirección de Cultura de la Universidad de Carabobo, en el año 1975. (NOTA: Bajo la dirección de Marcastillo) Razones de diversa índole, llevarán a su clausura en el año 1978 y el Departamento, traslada su programación expositiva a las salas del ateneo de la ciudad, colaborando conjuntamente con el personal de esta institución en los montajes de los Salones Arturo Michelena y otros que realizaran las diversas juntas directivas de la institución ateneísta en esos años. La situación provisional de traslado, de las áreas expositivas de la Universidad de Carabobo a otro espacio físico, (NOTA: A lograr ese fin se entregó en cuerpo y alma Marcastillo) permitieron las diligencias necesarias (hechas por él en nombre de la UC) para obtener la sede propia de su sala de exposiciones, lo cual se logra luego que el Dr. "Chiquito" León Uzcátegui llama a Cristina Araujo, ceramista y mujer vinculada a la cultura valenciana desde muy joven, Directora del Departamento de Cerámica de la UC, artista ceramista a su vez, para que converse con las autoridades del Concejo Municipal de Valencia para que donen el terreno que Marcos había visto. El Concejal Freddy López Capriles intercede, lleva a Cámara el asunto, y en pocos días se concreta la donación a la Universidad de Carabobo de un espacio destinado a la pérgola de la plaza de la Urbanización Prebo de Valencia, (NOTA: En entrevista Marcastillo habla de los bocetos que en un banco de la plaza dibujaba, que plasmaban su sueño, los cuales lleva al Arq.Mateo) y que gracias al arquitecto Pedro Mateo, en ese entonces, Jefe de Planeamiento Urbano del Concejo Municipal del Distrito Valencia, quien realizó los planos de construcción y a los Hermanos Mattioli que ejecutaron la obra, adquirió cuerpo ese viejo sueño universitario, (NOTA: Toda la porcelana, piezas sanitarias, baldosas para la investidura de los pisos fueron donadas por Frida Añez y Janos Magasrevy en nombre de Cerámicas Carabobo) dando así origen a la Sala de Exposiciones Braulio Salazar, llevando el nombre del Maestro como homenaje por la destacada actividad cultural de este importante carabobeño, inaugurada el 11 de abril de 1980, en el ahora conocido Parque Universitario Dr. Fabián de Jesús Díaz

. Debido al alto nivel de importancia adquirido en el medio artístico nacional, y su necesidad de crecimiento y mejora de las condiciones físicas, se produjo una ampliación y remodelación de la anterior sala de exposiciones, la cual fue reabierta el 24 de marzo de 1996, elevando su nivel a Galería, con dos salas expositivas, conociéndose en adelante como Galería Universitaria Braulio Salazar. La Universidad de Carabobo, mediante el proyecto elaborado por la arquitecto Andreína Guardia de Baasch, realizó la remodelación y ejecución de la obra con aportes propios, combinados con el apoyo de la Alcaldía de Valencia y de la Gobernación del estado Carabobo. El concepto del diseño de la galería concuerda con los elementos fundamentales de la obra inicial y consejos del Maestro Braulio Salazar, como ejemplo de ello se puede mencionar: la integración de la naturaleza reflejada en la visual hacia el parque a través de las fachadas de vidrio; la presencia de luz natural hallada en el techo traslúcido de la planta alta que se extiende hasta la sala de la planta baja, gracias a la comunicación que existe en la abertura octagonal central del entrepiso. Sus ambientes son claros y amplios, de formas puras. Ha sido reconocida con el Primer Premio en el II Salón Centroocidental de Arquitectura Regional, realizado en el año 2000. NOTA de Josefina: Con perdón del colectivo valenciano, universitario, todas las "fuerzas vivas" valencianas y del partido AD, ACLARO que no tengo nada contra el difunto maestro de la valencianidad Braulio Salazar (ver fridavalencia. blogspot ) pero creo que era merecido que el nombre de la Galería fuera Marcos Castillo, pues no sólo es un artista plástico de larga trayectoria, formado académicamente (no adecamente distingo) y con estudios en París, sino que de verdad él se fajó a conseguir la sede, es en demasía humilde como para imponerse, aunque su prestigio y amistades le permitieron conseguir lo que se propuso nunca a favor suyo, luchar por la donación que lo consigue Cristina Araujo, por lograr la construcción de la hoy galería... Su poder de convocatoria desde 1958 le permite "hacer cosas", ilustrar libros, estructurar exposiciones, talleres como los infantiles excelentes que dirigió Suardo Castillo, y defender a capa y espada tooodo lo que sucedió hasta 1995. Crear con su amigo Humberto Jaimes Sánchez y mantener el Salón Nacional de las Artes del Fuego sin PERDER la nominación ni la fama que tenía a nivel nacional e internacional. Creo que en un ambiente universitario del cual es él FUNDADOR también y docente de la EScuela "Arturo Michelena": debió privar la justicia y el sano reconocimiento pues "HONRAR, HONRA" al menos eso es lo que yo aprendi en mi hogar, en mi colegio el San José de Tarbes, y vivi en la UCAB , mi alma mater caraqueña. Y aprovecho la ocasión para sugerir a las autoridades universitarias que si van a colocarle algún nombre a la Dirección de Cine NOTA: En 1965 el joven estudiante de Ingeniería de la UC, Daniel Labarca acepta convertir un cine en la Av. Díaz Moreno para proyectar a los valencianos, pero necesita una finaza dada su juventud para asumir ese "riesgo". Acude a su amiga Cristina Araujo esposa de Angel Ramos Giugni, vinculados ambos a la UC, y recibe de ésta el apoyo que es pedirle a su padre el Dr. Lorenzo Araujo Ecarri el monto de dicha fianza. El Dr. Araujo la otorga y asi se creó el primer cine arte en la provincia, cuando sólo funcionaba la reciente CINEMATECA NACIONAL en el Museo de Bellas Artes en Caracas. El cine de la Diaz Moreno estuvo activo hasta 1969. y a la sala de cine arte "Patio Trigal" sea la del Ing. DANIEL LABARCA, por favor, es otro que sin ser un soberbio y egoico promotor de su persona ama al cine con "el alma", hizo milagros desde su juventud, tiene una historia de trabajo y conocimiento del séptimo arte que ni Rodolfo Izaguirre y es profesor de la Universidad de Carabobo, POR FAVOR, no cometan otra vez el mismo erro que con Marcastillo. Se los suplico...Pues se siente incluso la ausencia del Ingeniero Labarca en la Dirección de la Sala de Cine...Se los digo yo que vivo en la Calle Plutón del Trigal Norte, justo detrás del Centro Comercial y TODOS los días veo las instalaciones y frecuento su programación RECUERDEN HONRAR, HONRA y a los muchachos hay que crearles un respeto por su identidad justamente siendo honestos al reconocerle a cada quien su labor, y más en momentos en que hay que rescatar los valores perdidos... La Justicia debe ser el norte del hacer de la UC. Las nuevas etapas y personajes En el centro de chaqueta gris, Oswaldo Ortega, sucesor de Marcastillo en la Dirección de la Galería después de un interinato de una profesora universitaria. "Honrar honra" Lunes Rodríguez, “donde hay restricciones políticas, hay obras de arte maravillosas” "Trabajar por el arte es un camino espinoso, pero gratificante" Lunes Rodríguez, joven animador cultural desde sus tiempos de estudiante, considera que trabajar por el arte “es como el camino al cielo: empinado, espinoso y oscuro, pero gratificante”. “Yo no soy artista, pero creo que crisis como las que estamos viviendo generan en los artistas una caldo de cultivo para que la creatividad salga a flote”, expresa el director de la Galería Universitaria “Braulio Salazar”, que tiene entre sus responsabilidades la organización del Salón Nacional de las Artes del Fuego. ¿Cómo ha sido esta experiencia? -Ha sido extraordinaria, una gran experiencia. La Universidad de Carabobo es la única en el país que organiza un salón único en el país, como lo es el Salón Nacional de las Artes del Fuego. -Nuestra galería es fundamental en el centro del país para promover y difundir los valores artísticos y culturales. Esta galería fue fundada en los años 70. Marcos Castillo fue su primer director, quien comenzó un trabajo que hemos continuado. -La programación de la Galería “Braulio Salazar” tiene la ventaja de contar con planificación adecuada, por lo cual no nos conformamos con las exposiciones, sino que las complementamos con otras actividades propias de su contexto. -Durante el Salón de las Artes del Fuego tuvimos más de 20 conferencias y experiencias de fundición de vidrio, horneado de cerámica y orfebrería. Fue un trabajo práctico, para que las personas que no tienen experiencia tuvieran algunos conocimientos teóricos y prácticos del creativo y de cómo se obtiene una pieza de cerámica, orfebrería, esmaltes sobre metales. ¿Cuál es la política de la Galería “Braulio Salazar” para elaborar su programación? -Nuestro fin fundamental es extendernos a la calle. El hecho de que la galería no esté dentro, sino fuera de la universidad, es una ventaja, porque, estando rodeada de 150 edificios, permite hacer un trabajo con los colegios y con los niños, como una forma de extensión. -En los próximos meses comenzaremos, en las noches, cine al aire libre, para lo cual ya tenemos el proyector y recursos técnicos. Nos han pedido presentar un ciclo de películas con la historia del Oscar y estamos trabajando con los hermanos Siugza, que se dedican a la historia del cine. -Cuando anualmente elaboramos nuestra actividad expositiva, hacemos un balance entre las diversas tendencias de las artes visuales. Rendimos homenaje a un artista reconocido y a un joven artista. -El año pasado fue el maestro Braulio Salazar, este año le corresponde al maestro Cruz Diez. El joven seleccionado es Arturo Correa, egresado de la Universidad de Nueva York, quien viene desarrollando una obra pictórica y experimental de mucho aliento. -Tratamos de que el programa sea lo más equilibrado posible para que el resultado sea óptimo, desde el punto de vista curatorial. Muchos artistas que exponen con nosotros hacen las obras en función de los espacios de la galería, que son extraordinarios, con las entradas de luz al octágono que comunica el primer piso con el segundo. -La Galería “Braulio Salazar” ha extendido sus espacios a otros centros de la Universidad de Carabobo. En el foyer del Teatro “Dr. Alfredo Celis Pérez”, en Bárbula, hicimos seis exposiciones y colaboramos para la museografía de exposiciones colectivas de la Asociación Carabobeña de las Artes del Fuego y de la Asociación Venezolana de las Artes del Fuego. En ese mismo sitio patrocinamos una exposición individual de María Elena Franceschi. Tenemos exposiciones en las escuelas y en el núcleo de Aragua. -Colaboramos también con el gobierno regional para montar exposiciones y orientar, como ha ocurrido con muestras presentadas por la Secretaría de Cultura en el Museo de la Ciudad, Quinta La Isabela. Aparte de la organización de exposiciones, ¿la galería se encarga de otras actividades? -Tenemos la responsabilidad de hacer el inventario de las obras de la Universidad de Carabobo. Esta institución tiene más de 100 años, en los que s e han reunido miles de obras por donaciones, adquisiciones, abandono o porque han pasado a formar parte del patrimonio de la galería. -No sabíamos dónde se encontraba todo ese patrimonio, por lo cual desde hace tres años estamos haciendo un reinventario. Primero estamos ubicando el patrimonio, evaluándolo y fotografiándolo, de acuerdo a las recomendaciones del Instituto de Patrimonio Cultural y la Unesco. -Aspiramos a tener completo el inventario para incluirlo en un software. Las obras que están en mal estado las enviaremos a la Galería de Arte Nacional, para que, a través de algunas de sus instituciones, las restauren. -Con el profesor Iván Hurtado, del Centro de Interpretación Histórica y Patrimonial de la Universidad de Carabobo, en la antigua sede de la Facultad de Derecho, tendremos un laboratorio de restauración de obras de arte. Nos permitirá conservar nuestro patrimonio y el ingreso de recursos, atendiendo encargos de otros organismos. -Está prevista una edición de las obras del patrimonio, con lo cual se procura despertar el sentido de pertenencia en la comunidad universitaria cuando estudiantes, profesores, empleados, obreros y trabajadores en general veamos la calidad de las obras que integran nuestro patrimonio. Nos permitiría también determinar dónde lo tenemos y cómo lo tenemos. ¿A cuántas piezas asciende actualmente el patrimonio artístico universitario? -Actualmente el patrimonio está disgregado por toda la universidad. Hemos visto obras que están en buen estado. Llevamos 2.500 piezas, pero no hemos llegado a donde está el grueso de la Ciudad Universitaria, en Bárbula. Tenemos además el núcleo de La Morita, San Carlos y oficinas en Caracas, donde también hay obras del patrimonio de la universidad. Éste es un trabajo engorroso a largo plazo, pero que ya arrancamos. En estos momentos, cuando la actividad cultural no es prioritaria según el criterio gubernamental, ¿cómo realiza usted su actividad relacionada con el arte? -Trabajar por el arte es como el camino al cielo: empinado, espinoso, oscuro, pero gratificante. Afortunadamente, como dependemos de la Universidad de Carabobo, específicamente de la Dirección de Cultura, y contamos con el apoyo incondicional de la rectora María Luisa de Maldonado, no tenemos que estar esperando recursos de los gobiernos o que no llegan en el momento. -Eso nos ha permitido llevar un trabajo con relativa holgura. Por supuesto que no escapamos de los recortes presupuestarios, de los recursos que no llegan y de las insuficiencias, pero fluyen más rápido. -La rectora María Luisa de Maldonado siempre nos acompaña en los proyectos. Estamos solicitando que se nos dote de audioguías, para que los visitantes a las exposiciones, como en los grandes museos, obtengan una información detallada que, incluso, puede incluir la voz del artista expositor y los detalles de la galería y la plaza en que se encuentra. Pero, ¿cómo observa la creación artística en otros sectores con las dificultades actuales? -Yo no soy artista, pero creo que crisis como la que estamos viviendo generan en los artistas un caldo de cultivo para que la creatividad salga a flote. En la Convención de Arte de América, celebrada en diciembre en Miami, fue evidente que los países donde hay restricciones políticas y económicas tienen cosas maravillosas. Algunos artistas cubanos, que tienen adversidades, expresaron la grandiosidad de su creación. Si no consiguen los materiales, se las ingenian. -Lo bueno de las crisis es que hacen que los artistas inventen más, hagan más propuestas y trabajen más, como se ha visto aquí en Venezuela en las Artes del Fuego ante la escasez de materiales, por el control de cambio que dificulta las importaciones. ¿Por qué en el Salón Nacional de las Artes del Fuego no participan expresiones tradicionales, como la cerámica y el barro, y se incluyen tantos experimentos? -Nosotros organizamos el salón, pero no formamos parte del jurado que selecciona y premia. La Universidad de Carabobo otorga la facultad de integrar el jurado al Ministerio de la Cultura, a la Asociación Venezolana de las Artes del Fuego, a la Asociación Carabobeña de las Artes del Fuego, a Laboratorios Vitrum y al ganador del año anterior. Ellos tienen criterios propios para escoger y premiar. -El Salón Nacional de las Artes del Fuego, a pesar de que tiene 32 ediciones, está en proceso de maduración. Antes se cuestionaba que eran puras vasijas de cerámica, ahora se critica que hay mucha experimentación. Aunque hay críticas, yo creo que el salón ha evolucionado para lograr un aire de vanguardia. ¿Es cierto que la Galería Universitaria “Braulio Salazar” organiza un diplomado sobre Artes del Fuego avalado por la Universidad de Carabobo? -A través de Fundauc y la Galería “Braulio Salazar” estamos trabajando en un diplomado sobre Artes del Fuego para la promoción y formación que no existe en el país, con excepción de cursos particulares. -El diplomado estará dividido en módulos de cada una de las especialidades e incluiremos diseño en computadora. El tiempo académico se calcula entre 120 y 160 horas y estamos buscando una forma para que los artistas que no son egresados universitarios puedan participar sin limitaciones. -Entre los profesores del diplomado están Laura Palazzi, Christian Gramcko y Doménica Aglialoro, quienes han sido premiados en el Salón Nacional de las Artes del Fuego. Se haría los sábados. Lunes Lunes Rodríguez, vinculado a las actividades artísticas y culturales universitarias desde sus tiempos de estudiante, es egresado de la Escuela de Relaciones Industriales de la Universidad de Carabobo, como especialista en Recursos Humanos. Tiene posgrados en Museología y Museografía por la Universidad de Barcelona, España. “Los cursos de maestría y especialización fueron una parte presencial y otra a distancia, de acuerdo a nuevos métodos de enseñanza. En la primera clase te dicen: ‘Cuando usted escucha un disco de música clásica, no tiene enfrente la orquesta, y no por eso deja de ser buena la interpretación’. Mi estancia en Europa fue una experiencia increíble, por haber tenido la oportunidad de visitar los grandes museos y por haber estado en contacto con obras de grandes maestros”. Su nombre, Lunes, llama la atención y muchos se preguntan por qué se lo pusieron así. -Mis padres eran hippies: ( de La Pastora valenciana: el popular Cuatro R y su señora Antonieta Coronel. experta en cocina naturista) tenían ideas muy propias de los años 70. Nací en 1972, un día lunes, y así me bautizaron. Lo mismo habría sido si hubiese nacido un martes o un viernes, pero a mis hermanos les pusieron nombres conocidos: Rafael, que es el mayor; Ilich por Lenin y Marta, estudiante de Administración. -Estoy casado con Valia Franceschi y tenemos un hijo de tres años, de nombre Domingo Alberto. -El domingo, la revista Paréntesis sacó una foto de mi mamá, Antonieta Coronel, porque ella es la que desde hace 20 años ofrece recetas de cocina para los niños en el Suplemento Infantil. Ella toda la vida está dedicada al vegetarianismo. ¿Lo criaron con comida vegetariana? -Totalmente, hasta que logré emanciparme; c uando me casé, que agarré rumbo propio, me dejé de eso, pero es una cosa bien sana. Comíamos puros vegetales, pero las proteínas nos las proporcionaban con soya, leche y huevos. Tomado de: Diario El Carabobeño Foro Dominical 14/01/07 Alfredo Fermín Foto Orlando Nader Personaje cultural del año El diario El Carabobeño, de su edición del 31/12/08 (Sección socialité "Gentes y eventos" que llevan hace años Alecia Franco de Ortega, Alfredo Fermín y Consuelo González) nombro a "Lunes Rodríguez Coronel, director de la Galería Universitaria Braulio Salazar, a la cual ha convertido en unos de los centros artísticos y culturales mas animados de la región con la presentación de foros, conferencias, exposiciones y el Salón Nacional de las Artes del Fuego, que ha sabido mantener como una de las grandes muestras del Arte Venezolano en tiempos tan dificiles para la cultura". Reconocimiento Asociación Internacional de Críticos de Arte Lunes Rodríguez Coronel, director de la Galería Universitaria Braulio Salazar: "Continuaremos impulsando el arte" La Galería Universitaria Braulio Salazar de la Universidad de Carabobo, ha sido distinguida con el Reconocimiento 2009 en la categoría de Difusión del Arte Venezolano, honor que otorga la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) Capítulo Venezuela, por decisión de su Comisión de Premios y Reconocimientos integrada por los investigadores y críticos Víctor Guédez, María Luz Cárdenas y Roldán Esteva-Grillet. Para Lunes Rodríguez Coronel, director de la galería, este importante reconocimiento estimula a todos los que hacen vida dentro de la institución a continuar con sus políticas culturales de inclusión y masificación del producto cultural, manteniendo los altos estándares de calidad y generando espacios para el artista venezolano. "Conscientes que la educación mediante el arte, es un recurso estimable para la formación de ciudadanía, este reconocimiento viene a reforzar y se constituye en otra manera de apoyar el arte, demostrando las fuerzas que ellas poseen como herramientas constructoras del país que soñamos y merecemos". ¿De qué manera recibe la galería este reconocimiento? Para nosotros este reconocimiento, se debe a la promoción y divulgación de los valores artísticos nacionales. En principio, lo veo como un reconocimiento a la trayectoria, esta galería fue fundada en los años 70 por el Maestro Marco Castillo, además cuando nace el Salón Nacional de las Artes del Fuego que se desprende del Salón Arturo Michelena, la Universidad de Carabobo empieza a trabajar en función de las artes visuales, de la mano del Maestro Marco Castillo, así como Oswaldo Vigas, quien estuvo muy involucrado con el desarrollo de la galería, al igual que muchos otros artistas de talla nacional. Luego del Maestro Marco Castillo, en los años 90, Oswaldo Ortega dirigió la galería, lo cual le dio un nuevo empujón, logrando en su gestión edificar esta nueva estructura. Por lo tanto, ya teniendo algunas tradiciones como la organización del Salón de las Artes del Fuego, esta estructura única en el país, ya que sólo la Universidad de Carabobo posee una galería de arte de tal dimensión, siendo un espacio exclusivo para fines investigativos y expositivos, así que en la gestión nuestra nos quedó sólo reafirmar y seguir impulsando los valores artísticos regionales y nacionales. ¿Qué hace diferente a la Galería Universitaria Braulio Salazar? Las galerías, son medios de comunicación como cualquier otro, como la prensa, la radio y la televisión, solamente que hablan a través de un código o lenguaje plástico que en muchos casos, para el común de las personas, es difícil digerirlo, entonces parte del reconocimiento que la Asociación Internacional de Críticos de Arte (Aica) Capítulo Venezuela, nos da es a la divulgación, a la formación e información porque nosotros no nos conformamos con el hecho expositivo, es decir, colocar unos cuadros y ya está listo, no, sino que todas las exposiciones nuestras se desprenden de una investigación, hacemos un proceso de investigación el cual arroja una exposición y en el marco de esa exposición hacemos muchos talleres, muchas conferencias, encuentros con los artistas, con críticos de arte, un poco para bajar ese lenguaje práctico al común de las personas. Esa no es más que nuestra finalidad, respondiendo al hecho de que nuestra galería pertenece a una universidad, por lo que el componente didáctico va muy involucrado a todas las actividades que hacemos. Como director de la galería, ¿le complace tal reconocimiento? A todos los que hacemos vida en la Galería Universitaria Braulio Salazar nos llena de júbilo este reconocimiento, primero porque somos un grupo de trabajo, a lo mejor las personas regularmente ven a la persona que está a la cabeza pero yo no sería absolutamente nada sin este maravilloso equipo que se ha ido formando a lo largo del tiempo y que hemos ido consolidando en esta última gestión. Acá vivimos en trabajo constante, nuestra galería no solamente organiza el único Salón de confrontación de Artes del Fuego en el país, que este año es la edición 37, sino que hacemos muchas otras actividades; por ejemplo estamos configurados como la principal institución del país, nosotros entregamos alrededor de 17 premios a nivel nacional, en los salones más importantes; en nuestro Salón de Artes del Fuego, en el Salón Arturo Michelena, en la Bienal Nacional de Esculturas Francisco Narváez en Nueva Esparta, en el núcleo Trujillo de la Universidad de Los Andes, en la Bienal de Arte Popular Salvador Valero, en el Salón de Guacara, en el Salón de Güigüe, en fin, muchísimos salones, por lo que significa que no solamente nuestra actividad se circunscribe a los espacios de la galería sino que otorgamos el premio Universidad de Carabobo en los más reconocidos salones a nivel nacional y paradójicamente en un momento económico tan adverso para las universidades, hacemos mucho más hincapié en esos salones para la promoción y difusión de los valores artísticos nacionales. Aparte de nuestra actividad cotidiana en la galería, de investigación, promoción y difusión de las artes visuales, tenemos en la antigua Facultad de Derecho una galería permanente de las Artes del Fuego, donde exhibimos todos los premios nacionales desde el año 1971 hasta el que ganó el año pasado. Ahí hemos ido compilando esa colección, que es una de las más importantes del país, en cuanto a Artes del Fuego contemporáneo se refiere y ahí igualmente hacemos un proceso de investigación de las piezas, hacemos un proceso de divulgación de las piezas. A partir del mes entrante vamos a empezar a hacer exposiciones individuales de los artistas premios nacionales en esa misma sede, además contamos con otra herramienta inédita en las universidades nacionales, que es un laboratorio de conservación y restauración, del patrimonio de la universidad en cuanto a obras de artes, el cual sobrepasa las cuatro mil piezas. ¿Tienen actualmente un proyecto en puertas? Además de nuestro trabajo cotidiano, el laboratorio y la galería permanente, hemos introducido un proyecto en el despacho de la rectora, el cual fue aprobado, para acondicionar unos galpones abandonados en la ciudad universitaria y crear allí una galería de arte alternativa; alternativa porque nuestra galería se ha conformado a lo largo de estos años como un espacio consagratorio y tratamos de exhibir a los mejores artistas, bien sea noveles o reconocidos, siempre los mejores, entonces esta galería alternativa servirá para que muchos otros estudiantes y nuevos artistas puedan expresarse, creando así un salón de arte para la comunidad universitaria, para los estudiantes. Cuando nació nuestra galería en los años 70, se creó con un fin social. El hecho de que nosotros no estemos dentro de la ciudad universitaria, es porque nuestro fin es hacia la comunidad, hacia la sociedad, como forma de extensión artística y cultural de la universidad. Entonces teniendo este espacio, nos permitiría desarrollarnos dentro del campus universitario, hacer el mismo trabajo que hemos hecho a lo largo de estos años, que han sido los más fructíferos en la comunidad y nuestro entorno. Diario Notitarde 24/04/2010. Daniela Hernández / Foto: Jacinto Oliveros. Diplomado en Artes del Fuego ¿CUÁL ES EL OBJETIVO? Formar a un profesional con herramientas pedagógicas básicas aplicadas a la enseñanza y aprendizaje de las artes en la cerámica, vidrio, joyería y esmalte sobre metal, a través de la experimentación, concepción de técnicas y del que hacer artístico con el fin de revalorar o asumir una visión sobre los modos de ser y hacer de la enseñanza y aprendizaje de las artes tanto en el ámbito creativo, académico y comercial. ¿CUÁL ES EL CONTENIDO? El programa de estudio esta estructurado en 7 módulos con un diseño curricular interdisciplinario en las áreas de cerámica, vidrio, joyería y esmalte sobre metal, con la inclusión de visitas a industrias y comunidades artesanales, con la finalidad de abrir las posibilidades de interacción o intercambio que logre una síntesis coherente y sistemática del saber y la experiencia, del arte y la sociedad. En el séptimo modulo el participante realizara un trabajo de investigación en el cual se evaluara el dominio de las destrezas previstas en el perfil de egreso. Alguno de los contenidos que se verán en este diplomado son: * Pieza utilitaria. * Técnicas de molde. * Arquitectura y arte. * Computación aplicada. * Teoría del color. * Esmalte sobre metal. * Beadmaking * Introducción a la gemología. * Joyería contemporánea. * Técnicas de decoración. * Cerámica escultórica. * Serigrafía experimental. * Porcelana. *Escultura ¿A QUIEN VA DIRIGIDO? Profesionales universitarios, artistas, artesanos de las artes del fuego o artistas plásticos quienes deseen enriquecer los conocimientos y experiencias de la actividad creadora desde una perspectiva interdisciplinaria e innovadora encontrando repuesta a sus inquietudes artísticas en lo relacionado a las artes del fuego. ¿CUÁNTO DURA? Esta diseñado para una duración de 243 horas académicas de modalidad presencial, que se distribuyen en siete (7) módulos. ¿CUÁL ES EL HORARIO? Las clases se dictarán los días los sábados de 8:00 a.m. a 2:30 p.m. para un total de 7 horas académicas por semana. Cada modulo tiene una duración de cinco (5) semanas y entre módulos se hará un receso de dos (2) semanas. ¿DÓNDE SERÁ DICTADO? Sede de Mañongo, antigua Área de Posgrado de la UC. ¿CÓMO SE REALIZARÁ LA EVALUACIÓN? La evaluación estará dirigida por los facilitadores de cada materia, y se expresará en la evaluación continua, exámenes, y trabajos aplicados al ámbito de desempeño del participante. ¿QUIÉNES CONFORMAN EL CUERPO DOCENTE? * Adolfo Morales * Ana M. Carvallo * Anais Silva * Christian Gramcko * Claudia Álvarez * Diana Rosas * Gladys Domínguez * Gloria Fernández * Gustavo Zajac * Isabel Cisneros * Laura Palazzi * Lucia Ramírez * Maritza Góngora * Rafier Vera * Terry Lange * Yolanda Sucre * Ilich Rodríguez COORDINADOR ACADÉMICO Artista Laura Palazzi Lic. Lunes Rodríguez ¿CUÁL ES LA INVERSIÓN? Inversión Total: BsF.4365 Inscripción: BsF.867 PRE-Inscripción: BsF.300 Saldo: cancelación fraccionada en cuotas mensuales de Bs F. c/u.318 10% de descuento si cancela el monto total de la inversión antes de iniciarse el Programa. Forma de pago: Depósito e efectivo a nombre de Fundación Universidad de Carabobo o FUNDAUC en las siguientes cuentas corrientes: * Banco Mercantil Nº 0105-0097-42-1097135616. * Banco BOD Nº 0116-0134-18-0004334523. * Banco Banesco Nª 0134-0319-80-3193054696. Tarjeta de débito o crédito Cheque conformable. (Solo para empresas) ¿QUÉ DEBO HACER PARA INSCRIBIRME? 1. Cancelar el monto de la inscripción por cualquiera de los medios autorizados. 2.Consignar en FUNDAUC: a. Reseña Curricular. b.Fotocopia simple del título profesional. c. Fotocopia legible de la cédula de identidad. d. 2 fotografías tamaño carnet recientes. e. Llenar la planilla de inscripción. INFORMACIÓN: Prolongación Av. Salvador Feo La Cruz, Área de Postgrado de la UC, Sector Mañongo, Naguanagua, Edo. Carabobo. Tlf. (0241) 615.0463 – 4166304 – 4163303 Fax: (0241) 842.1297. Email: fundauc.interesados@gmial.com www.fundauc.uc.edu.ve Información exclusivamente tomada del web site de la Galería Universitaria "Braulio Salazar" Salvo notas de la autora del blog.

La Galería Braulio Salazar inicia la celebración de sus 40 años

Lunes 21 de Febrero de 2011 10:22

La exposición Avatares, de la artista Laura Palazzi (Puerto Ordaz, estado Bolívar. 1964), producto del trabajo curatorial de los investigadores Alberto Asprino e Ilich Rodríguez Coronel, obedece a las líneas de investigación que la Universidad de Carabobo y la Galería Universitaria Braulio Salazar estimulan con el objeto de afirmar la misión de abrir nuevos caminos y asegurar la sobrevivencia de los principios éticos y estéticos en las artes visuales contemporáneas en el país.

Con esta muestra la Galería Universitaria Braulio Salazar inicia la celebración de sus 40 años, como faro de las Artes Visuales en Venezuela. Con este motivo tendrá actividades vinculadas a las áreas educativas, actualizando y dinamizando mecanismos para la transferencia del conocimiento a través del arte, como instrumento para la formación de la ciudadanía que el país reclama.

La cerámica venezolana, en pleno siglo XXI, ha experimentado cambios sustanciales no sólo desde el abordaje de la técnica sino también en la forma de crear y concretar el hecho plástico.

Sin dejar de reafirmar su propia identidad y reconocer a sus antecesores, una generación emergente de creadores ha venido fortaleciendo desde la postura individual ese sentido libertario que, como todo hecho artístico, la distingue y permite buscar, con más ahínco, la aventura e imperiosa necesidad de originar genuinos -y auténticos- espejos del ser.

Laura Palazzi desde esa perspectiva, ha podido explorar el medio cerámico entendiendo que, más allá del fuego que la origina, está ese sentir que impulsa todo aquello que busca como exploración personal y creativa.

Alberto Asprino: ¿Por qué te identificas con la cerámica como necesidad expresiva y no con otro medio?

Laura Palazzi: Al principio me motivó la curiosidad por el dominio de procesos de trabajo con el barro, el dominio técnico del torno, los diferentes procesos de quemas, los esmaltes, observar y recabar los resultados de todos estos procesos; no como producto final sino como efecto para hacerlo diferente a lo realizado. Poco a poco, fui encontrando que el barro o la porcelana ligada con pulpa de papel, es decir, el papel cerámico, me permitía romper con ciertos aspectos técnicos y acercarme a cualidades más plásticas de textura, de densidad, de fragilidad, durabilidad del material y transparencia que me permitieron romper con el proceso técnico; generando otras formas de trabajo y de presentar el elemento cerámico fragmentado, o un volumen o un plano que se lea como cerámica, pero desligada de la presentación tradicional del objeto cerámico.

AA: En tu formación profesional se destaca un particular énfasis en el manejo de todas aquellas "disciplinas" en las cuales el fuego es factor fundamental en la concreción de la obra, por ejemplo, el vidrio, la orfebrería, el esmalte sobre metal y muy específicamente la cerámica. ¿Cuánto hay de tensión y entrega en todo el proceso que conlleva la materialización de la búsqueda plástica?

LP: Familiarizarme con las disciplinas de las Artes del Fuego ha sido algo natural, debido a que provengo de una familia que por generaciones ha sido de orfebres; así que dos de estas disciplinas, orfebrería y esmalte sobre metal no han sido causantes de tensión, como lo ha sido el vidrio y, más aún, la cerámica. En mi búsqueda, abandoné el vidrio como objeto plástico para convertirlo en accesorio y me amarré a la cerámica, que, para mí, es el material que hasta crudo puede expresar y aportar más en esa búsqueda, nunca hay un resultado igual y esto me identifica con mi posición hacia el trabajo.(....)

AA: En tu trayectoria de los últimos diez años se observa claramente que la obra ha procesado un vuelco sustancial. Se siente más liberada de la rigidez técnica, mucho más abierta a la exploración, más conceptual, relajada si se quiere. ¿Qué tanto te han aportado esos avatares existenciales que te han acompañado y permitido asumir retos personales?

LP: Mi personalidad ha sido el motor de estos saltos al vacío, que me han llevado a vivencias y a través de estas experiencias obtener conocimientos, parámetros o reglas de trabajo importantes para comprender y expresar el objeto cerámico desde mi perspectiva. Dos experiencias fueron liberadoras de este proceso que venía sin orden o disperso: el Artist Residence en Alemania, Höhr Grenzhausen y, gracias al grupo Trialog y a la Ruta de investigación de la Locería popular Venezolana, de lo más puro de la forma del tratado con la porcelana a lo más genuino del barro cocido por las leñas de mis loceros.(...)

AA: ¿Cómo procesas esos cambios considerando que el paisaje emocional de tus parajes creativos, sin duda se trasmutan en tu trabajo?

LP: Ese es mi secreto, el proceso creativo se transmuta con frases, escritos que acompañan mi hacer creativo, en lecturas visuales o literales, el reto de solventar las dificultades y hacerlas ganancia para mi trabajo, apoyarme en gente nueva y observar realmente, "observar" las ventajas de ese espacio. Hoy día vivo un reto con mi tiempo, pasado y presente planteando un futuro de cambios inmensurable en lo personal y en mi trabajo, puedo afirmar que lo que se ve en estas piezas pertenece a un proceso de transición entre la casa portátil de "Valencia" y la nueva casa portátil "Puerto Ordaz" de ahora, el presente está por verse.

AA: Después de pasar por un proceso investigativo complejo y por demás exigente, se percibe que lo técnico se ha decantado, se percibe más control estético, no sin dejar de reconocer que la alianza con el fuego es una suerte de "matrimonio por conveniencia". ¿Te libera ciertamente el darle la vuelta al componente tecnológico?

LP: Para mí el aspecto técnico es un juego de variables, y cuando digo juego, es que disfruto. Los materiales son juguetes, los cuales voy a someterlos a pruebas de todo tipo, lo difícil es componer con esas variables obtenidas. Eso es mi motivación y ese es el juego sabroso, ver cómo un color se transforma al lado de otro o descubrir que lo que habías aprendido con respecto a un color se sustituye por otro o, cómo el largo y el grosor de un fragmento, puede ser movimiento o volumen, construir planos y direcciones con elementos no cerámicos e integrarlos en armonía. Esto es lo sabroso, nadie se puede imaginar lo que hay en mi cabeza antes de realizar una de estas piezas, es un juego organizado de colores, texturas y tamaños y como si lo hubiera hecho antes, entonces comienzo a armar esa fragmentación de elementos plásticos, textiles y cerámicos. Es una locura que se vive una vez y queda plasmada en cada obra.

AA: ¿"El equipaje está listo", obra con la que ganas en 2004 el Primer Premio del Salón Nacional de las Artes del Fuego, se puede considerar un autorretrato hoy?

LP: Sólo alguien que me conoce puede saber la profundidad de esta pregunta, no es fácil responderla al público, porque esta obra no es un premio, es eso, un autorretrato, que como el de la Mona Lisa en el Museo del Louvre, será para mí, o al público general, una imagen o volumen en estado presente.

AA: Nuevos materiales recrean el cuerpo de tu obra reciente, además del emblemático papel cerámico que te distingue, destacas el uso de los hilos, mallas, nylon y objetos reciclados, otorgándole a tu obra nuevos espacios contenedores de luz y color, generando una sensible urdimbre visual que sugiere "meterse en la obra". ¿Cómo logras orquestar el equilibrio de tan disímiles elementos?

LP: El equilibrio, me pregunto si existe equilibrio. El hacer estas piezas comienza con la claridad de lo que estoy buscando, en cada cuadro o en cada plano hay una búsqueda distinta, más que equilibrio, es dar una connotación plástica a lo que, por su unidad y presentación simple, no lo tiene, por ejemplo: si tomas un palito de cerámica y tratas de sacar lo plástico de ese objeto, obtendrás nada, pero si observas sus características de color, textura, grosor y además tomas un hilo por su color, textura y grosor y te preguntas: ¿cómo lo hago?, para mi ningún elemento utilizado es casual u obedece al azar, lo tomo, lo estudio y luego lo ejecuto, mi trabajo y la integración de los elementos no está sujeto a la técnica de moda o al estilo que se vende, yo sé lo que estoy buscando y cuando lo logro es muy satisfactorio y único.(...)

Las enseñanzas de Laura


AA: Paralelamente a tu trabajo plástico, te has involucrado en la docencia, logrando tenazmente concretar proyectos académicos de gran envergadura. Te paseaste por todo el territorio nacional buscando en nuestras raíces alfareras la verdadera dimensión del trato con el barro, y por si fuera poco, tus descubrimientos personales lo conviertes generosamente en más enseñanza. ¿Qué te reservas en el fondo para ti misma en todo este proceso investigativo?

LP: La "vivencia", el contacto con estas experiencias es un sentir que por más que trate de expresarlo no describe la dimensión de cómo me afecta o cómo genera ese movimiento interno que me motiva exteriorizarlo. Puedo decir que lo que sentí, el primer día de clase del Diplomado de las Artes del Fuego, sentada en la parte trasera del salón y ver en marcha esa idea en acciones y por otros intérpretes, fue indescriptible, y ver los resultados en el tiempo de ese programa es inmensurable. ¿Cómo puedo expresar todo lo que siento, pienso o aprendo cuando observo los colores de una puesta de sol o una simple flor? Eso es mío y es lo que me llevo, lo que me motiva expresarlo, es el deseo del compromiso de dar lo mejor de mí, porque aprendí que compartir es crecer desde lo individual al colectivo y viceversa.


AA: Domenica Aglialoro, Isabel Cisneros, Ramsés Larrazábal, Adolfo Morales y tú misma, como generación cercana, le han brindado a la cerámica renovadores cambios e importantes aportes, consolidando nuevas lecturas y formas de apreciación. ¿En lo personal cuáles son tus referentes en el arte venezolano?

LP: En el transcurrir del tiempo he cambiado ese referente, sin embargo mantengo constante ese nexo con Colette Delozanne, Roger Sanguino, Seka, Mercedes Pardo, Soto, Cruz-Diez y, por supuesto, los mencionados en la pregunta. De ellos refiero la disciplina de trabajo, el acercarse al color en diferentes dimensiones o posturas, el objeto como elemento plástico en un espacio. El romper con lo establecido.


AA ¿Si tuvieras que hacer un cambio radical en tu trabajo, escogerías de nuevo el campo cerámico como fuente inspiradora y sustento de vida?

LP: La cerámica y conocer ese mundo, con sus manifestaciones, procesos y personajes ha sido una elección de vida muy hermosa y vivida. Pero, si tuviera que escoger un cambio radical como fuente inspiradora y sustento de vida, haría algo diferente, estoy segura de ello.

Laura Palazzi, cercana en estos tiempos a la vertiginosa energía del Orinoco y en medio de su región de origen, recrea una obra vivaz, rica como refugio de emociones. Aquellas que procesa, desde su propia realización humana, también desde aquellas otras que teniendo como epicentro el arte, se prestan a buscar, en el otro, auténticas y significativas transformaciones del ser (El Carabobeño, 20/02/2011, Alberto Aspino).-

sábado 22 de agosto de 2009

Laura Palazzi von Büren: El papel cerámico permite irreverencias

Laura Palazzi von Büren, es artista ceramista y coordinadora-docente tanto del Diplomado Artes del Fuego, de la Fundación Universidad Carabobo como del programa de capacitación en los modos de producción artesanal, del Centro de Capacitación y Promoción de la Artesanía, ubicado en San Joaquín, de la Fundación Empresa Polar.

¿Cuáles fueron sus inicios como artista?
Desde muy pequeña tuve habilidad para las artes pero para mi era un hobby. Vengo de una familia de tradición orfebre. Mis bisabuelos eran alemanes, se residenciaron en el estado Bolívar, y desde allí viene mi tradición en las artes del fuego. Mi mamá es orfebre, al igual que mis tíos. Sin embargo en 1984 empecé a tomar cursos de esculturas en la Escuela Angelina Curiel que quedaba en el Conac, cuando estaba en Plaza Venezuela, desaparecido por las obras del metro. Alrededor de un año estuve allí, tomé talleres libres que se realizaban en el Ateneo de Caracas, y para regularizar mis estudios fui tanto a la Asociación Venezolana de las Artes del Fuego como a la escuela de Cándido Millán. Comencé mis estudios de esta manera y ya en 1991, por una inquietud interior, ya era profesora en el área de vidrio. Se escribió un primer manual de vidrio, se organizó en etapas sus estudios; entre mis alumnos están María Teresa Trombetta, Premio Nacional; Rosalba Gudiño, Beatriz Márquez y otro más que no viven ya en el país.

¿Cuándo consolida su obra en papel cerámico?
Para 1999 consolido mi técnica en la cerámica, de papel cerámico, a partir de un taller que tomé con Margaret Dickinson, quien es venezolana y que hoy día vive en Argentina.

¿Por qué papel cerámico?
Porque me permite expresarme de una manera distinta. Primero, porque me quité el "yugo" de la laminadora que para mi era horrible. Estaba en la situación para esa época que tenía dos niños pequeños, de dos años, que producían mucho papel y podía reciclarlo. Me gustó mucho porque pude combinar dos aspectos: la parte ecológica, el reciclaje y antes había jugado con papel artesanal. El papel cerámico me ayudó a explorar texturas, a explorar dimensiones, volúmenes y algo que yo quería hacer desde la Angélica Curiel, como le comentaba a mi profesor de entonces, Guillermo Pinto, a quien le decía "yo quiero ensamblar". Quería hacer esculturas pero quería ensamblar. Eso de tallar piedras, tipo cavernícola, no era conmigo. Me sentía incomoda porque veía que no era un trabajo femenino, cargar bloques, las manos destrozadas por el uso de los materiales y la fuerza. Necesitaba algo más liviano.

Entonces a través de estas estructuras metálicas, más livianas, que forro a través de una malla que es una cuadratura de nylon, tejo y me permite explorar el objeto desde su interior hasta la parte externa. Mis piezas dan una transparencia, hay la construcción de un volumen. Incluso el papel cerámico me permite ser irreverente. Me permite ser rebelde.

¿Todo eso después de aprender de lleno un oficio?
Aprendí todo lo que hay que aprender para ser un buen ceramista. Pero siempre me dije que tenía que aprender a buscar el color de otra manera porque para mi el color se mueve.

Todo esto me recuerda una experiencia: como buena guayanesa cuando se inauguró el Museo Jesús Soto, tenía apenas 7 años. Para mi este lugar era Disney. Entrar por esos penetrables y su sonido, fue una experiencia que me marcó. Era algo que me hablaba de arte, me hablaba de color y no era pintura. Para mi el color quedó en línea y para mi tiene esa referencia de esa vivencia de niña, que no busca ser cinético pero que si busca un movimiento; y hay un color que viene dado de adentro hacia afuera, que es lo más rebelde de la cerámica. Porque siempre en la cerámica es de afuera hacia adentro. Lo mío es de adentro hacia fuera y se permite ver.

Como muy femenino...
Si algo así como que se te vela pero no sale... Definitivamente, yo muestro eso porque eso de la piedra y la madera tallada no eran conmigo. Yo no me veía ni con serrucho ni con cincel dándole trancazos a eso...

Hay otro aspecto creativo mío que es muy importante porque yo lo vivo a través de las letras. Yo escribo y luego los llevo a un volumen. Aquellas palabras que son importantes están escritas en la pieza, como quien escribe en la arena; un "grafeado" unicolor que no se ve pero está allí, solo el ojo entrenado de una persona curiosa que recorre el camino de la pieza, alcanza a observar esa frase que puede ser significativa para si misma también.

¿Por necesidad expresiva?
Es una forma de conectar ese mundo intangible de las letras y convertirlas tangibles, en esa experiencia de pertenecer a una pieza. Es un juego mágico de develar las cosas pero no mostrarlas completamente.

¿Tiene tiempo para desarrollar su carrera artística?
Me ha mantenido muy ocupa mas no inactiva. El año pasado participé en la Bienal de Escultura del Museo Narváez con una pieza que se llama El Perro Faldero. Para todo hay tiempo. Quiero dejar mas que un legado de obra, un grupo de principios, valores, orden, porque se están diciendo muchas cosas pero no de corazón; hay mucho oportunismo; una levedad en las cosas que se dicen con mucha irresponsabilidad...

Además el arte es como el ave Fénix...
Es continuo movimiento. La fuerza misma de la vida es lo que va empujando.

¿Cómo un diplomado para los artesanos de todo el país?
Empresas Fundación Polar me contactó porque tienen el Centro de Capacitación y Promoción de la Artesanía que se encuentra en San Joaquín, creado un tiempo atrás, inaugurado en mayo de este año. El objetivo es hacer contacto con todas las fundaciones artesanales del país y querían que alguien diseñara un programa que no fuera un taller más. La experiencia en el diplomado me ha servido de mucho porque ha tenido una orientación que complementa lo que se ha venido haciendo con los artistas de las artes del fuego en la parte teórica. Cuando uno asiste a los talleres particulares, uno lo que aprende es técnica desde un punto de vista, una visión.

En el diplomado, junto con la Galería Braulio Salazar, comenzamos a desarrollar este curriculum que abarca aspectos de metodología, de la investigación, teoría, historia; esa parte que el artista descuida porque está más interesado en desarrollar la destreza.

¿Cómo ha sido la receptividad del diplomado de la UC?
Creo que ha sido un éxito porque vamos a una cuarta cohorte en apenas dos años. Llevamos graduadas 40 personas. Este año saldrán otras veinte.

¿Cuál es la diferencia entre ambos estudios?
Con Fundación Polar tuve la oportunidad de diseñar un currículo que estuviera orientado a crear un diplomado hacia los modos de la creación artesanal, la madera, los tejidos y la arcilla. Estoy trabajando con el de arcilla que es mi especialidad, ya hemos trabajado con cinco comunidades y lo he sentido como un triunfo porque allí tratamos además del diseño y el empaque, de los cálculos de costos, vamos hacia el desarrollo del pensamiento crítico y creativo, herramientas que se subestiman, porque se piensa que no son útiles. Cuando un artista se pone a diseñar lo que menos piensa en ese proceso analítico pero es lo primero que se hace porque una obra nace de una idea. Enseñamos a los artesanos que su creatividad es tan importante como lo que ellos hacen y, que de alguna manera, la tradición tiene una base mas allá del quehacer, porque todo lo involucrado allí tiene que ver con la cultura, que se traduce en pensamientos, en normas creativas. Todo ello contribuye a que ellos aumenten su autoestima y los va acercando más a un proceso creativo integral, más consciente. Este es uno de los aportes más importantes del proyecto así como también lo ha sido concientizarlos de las herramientas que utilizan, los modos ecológicos de quemas y un mejor aprovechamiento de las materias primas (Notitarde, 22/08/2009, Confabulario).-